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루이 14세 양식

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베르사유궁 (1661–1710)

루이 14세 양식 또는 루이 카토르즈(/ˌluːi kæˈtɔːrz, - kəˈ-/, 프랑스어: [lwi katɔʁz] 이 소리의 정보[[:Media:LL-Q150 (fra)-Jules78120-Louis XIV.wav|]] (도움말·정보))는 프랑스 고전주의라고도 불리며, 루이 14세 왕과 그의 통치를 찬양하기 위한 건축 및 장식 예술 양식이다. 이는 장엄함, 조화, 규칙성을 특징으로 한다. 이 양식은 루이 14세의 재위 기간(1643–1715) 동안 공식적인 양식이 되었으며, 새로 설립된 왕립 회화 조각 아카데미와 왕립 건축 아카데미를 통해 예술가들에게 강제되었다. 이는 프로이센의 프리드리히 대제부터 러시아의 표트르 1세에 이르기까지 유럽 군주들의 건축에 중요한 영향을 미쳤다. 이 시기의 주요 건축가로는 프랑수아 망사르, 쥘 아르두앙 망사르, 로베르 드 코트, 피에르 르 뮈에, 클로드 페로, 루이 르 보가 있다. 주요 기념물로는 베르사유궁, 베르사유의 그랑 트리아농, 앵발리드 교회(1675–1691) 등이 있다.

루이 14세 양식은 세 시기로 나뉜다. 국왕의 유년기(1643–1660)와 안 도트리슈의 섭정기가 겹치는 첫 번째 시기에는 건축과 예술이 루이 13세의 초기 양식과 이탈리아에서 도입된 바로크 양식의 강한 영향을 받았다. 초기 시기에는 샤토 드 메종(1630–1651)과 같은 프랑수아 망사르의 초기 작품들에서 프랑스 고전주의의 시작을 볼 수 있다. 국왕의 친정 체제하에 있던 두 번째 시기(1660–1690)에는 건축과 장식 양식이 더욱 고전적이고 승리주의적이며 화려해졌으며, 이는 루이 르 보와 쥘 아르두앙 망사르가 건축한 베르사유궁에 표현되어 있다.[1] 1680년까지 가구는 거대하고 수많은 조각과 도금으로 장식되었다. 후기 시기에는 쪽매붙임 기술의 발달 덕분에 가구가 여러 가지 색상과 다양한 목재로 장식되었다. 후기 시기의 가장 저명한 가구 제작자는 앙드레 샤를 불이었다.[2] 1690년경부터 1715년까지의 루이 14세 양식의 마지막 시기는 과도기라고 불린다. 이 시기는 아르두앙 망사르와 국왕의 축제 및 의례 담당 디자이너였던 장 베랭의 영향을 받았다. 새로운 양식은 형태가 더 가벼워졌으며, 연철 장식의 사용과 아라베스크, 그로테스크, 조개 모양 디자인의 사용이 늘어남에 따라 더 큰 환상과 선의 자유를 특징으로 했고, 이는 루이 15세 양식으로 이어졌다.[3]

민간 건축

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재위 초기 민간 건축의 모델은 루이 르 보가 국왕의 재무장관 니콜라 푸케를 위해 건축하여 1658년에 완공한 보르비콩트였다. 루이 14세는 푸케를 절도 혐의로 기소하여 투옥하고 건물을 자신의 것으로 만들었다. 설계는 프랑수아 망사르의 고전주의로부터 강한 영향을 받았다. 이 건물은 이탈리아 바로크 건축에서 도입된 돔 아래의 거대한 고전적 기둥들이 지배하고 운율을 이루는 파사드와, 앙드레 르 노트르가 조성한 광활한 프랑스식 정원을 내려다보는 반원형 살롱과 같은 독창적인 특징들을 결합했다.[4]

보르비콩트의 성공을 바탕으로 루이 14세는 베르사유에 거대한 새 궁전을 건설하기 위해 르 보를 선택했는데, 이는 루이 13세가 수렵용 별장에서 변형시킨 작은 궁전을 확장하기 위함이었다. 이것은 수십 년에 걸쳐 점차 루이 14세 양식의 걸작이 되었다. 1680년 르 보가 사망한 후, 쥘 아르두앙 망사르가 베르사유 프로젝트를 이어받았다. 그는 그림 같은 돌출부와 돔에서 벗어나 난간과 기둥 열이 있는 평평한 지붕을 얹은 더 절제되고 통일된 기둥 파사드를 만들었다(1681). 그는 같은 양식을 사용하여 베르사유에 새로 만든 다른 건물들, 즉 오랑주리와 마구간을 조화시켰다. 아르두앙 망사르는 아치형 창문과 기둥 쌍이 교차하고 평평한 지붕과 난간이 있는 단층짜리 왕실 휴식처인 그랑 트리아농을 건설했다(1687년 완공).

루이가 착수한 또 다른 주요 프로젝트는 루브르궁의 동쪽 파사드 건설이었다. 1665년 루이는 이탈리아 바로크의 가장 유명한 조각가이자 건축가인 잔 로렌초 베르니니를 초청하여 설계를 의뢰했으나, 1667년 더 절제되고 고전적인 설계를 선호하여 이를 거부했다. 이 설계는 루이 르 보, 샤를 르 브룅, 클로드 페로로 구성된 3인 위원회가 설계한 열주였다.

종교 건축

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재위 초기, 루이는 발드그라스 병원 예배당인 발드그라스 교회(1645–1710)를 건축하기 시작했다. 설계는 가브리엘 르뒤크가 완공하기 전에 쥘 아르두앙 망사르, 자크 르메르시에, 피에르 르 뮈에가 차례로 작업했다. 그림 같은 삼단 파사드, 페리스틸(열주랑), 분리된 기둥, 조각상, 그리고 톤도는 파리 교회 중 가장 이탈리아적이고 바로크적인 모습을 보여준다. 이 교회는 나중에 건축된 앵발리드와 팡테옹의 돔을 위한 원형이 되었다.[5]

루이 14세 치하에서 건축된 다음 주요 교회는 앵발리드 교회(1680–1706)이다. 리베랄 브뤼앙이 설계한 교회의 본당은 이오니아식 벽기둥과 관통된 궁륭, 하이 바로크 양식을 닮은 내부 등 당대의 다른 교회들과 비교할 만했다. 아르두앙 망사르가 설계한 돔은 그리스 십자가 형태의 평면 구조 위에 놓여 있어 더 혁신적이었다. 이 설계는 고전 양식에 따라 기둥의 층을 겹쳐 사용했으나, 이중 tambour 또는 드럼 위에 놓여 돔의 높이를 더 높였으며, 파사드와 돔 자체는 조각, 니치(벽감) 속의 entablements(엔타블레이처), 그리고 nervures(돔의 리브)와 교차하는 도금된 청동 장식으로 화려하게 꾸며졌다.[5]

후기 루이 14세 시기의 가장 뛰어난 교회 내부는 1697년에서 1710년 사이에 아르두앙 망사르와 그의 후임 궁정 건축가 로베르 드 코트가 만든 베르사유궁 예배당이다. 장식은 밝은 색상과 기둥 위에 약간 돌출된 조각 세부 묘사로 세심하게 절제되었다. 예배당 내부는 둥근 천장의 무게를 지탱하기 위해 지상층보다 한 층 위인 트리뷴(갤러리)에 배치된 고전적인 기둥들을 사용하여 개방되고 밝아졌다.[5]

그랜드 스타일: 파리

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루이 14세는 훗날 파리를 무시했다는 비난을 받았지만, 그의 치세에는 도시 중심부의 공간을 개방하고 장식하는 몇몇 대규모 건축 프로젝트가 있었다. 바로크 시대의 많은 건축적 아이디어처럼, 통일된 건축물로 둘러싸인 기념비적인 도시 광장의 아이디어는 이탈리아에서 시작되었다. 파리의 첫 번째 광장은 앙리 4세가 시작하여 훗날 루이 13세 기마상이 세워진 플라스 루아얄(현재의 보주 광장)이었고, 그 뒤를 이어 시테섬에 도핀 광장이 조성되었는데, 이곳에는 인접하여 앙리 4세의 기마상이 있었다. 루이 14세의 파리 초기 그랜드 프로젝트는 루브르궁의 새로운 파사드, 특히 동쪽을 향한 열주였다. 이것들은 루이 14세의 새로운 기념비적 양식을 보여주는 쇼케이스였다. 앙리 4세 광장의 낡은 벽돌과 석재는 독립적으로 서 있기보다는 파사드 자체의 일부가 되는 기념비적인 기둥의 그랜드 스타일로 교체되었다. 광장 주변의 모든 건물은 같은 높이로 연결되어 같은 양식으로 건축되었다. 1층에는 보행자를 위한 덮개가 있는 아케이드가 설치되었다.[6]

루이 14세 치하에서 건축된 첫 번째 건물 단지는 루브르궁 맞은편의 콜레주 데 카트르 나시옹(현재의 프랑스 학술원)(1662–1668)이었다. 이 건물은 루이 르 보와 프랑수아 도르베가 설계했으며, 쥘 마자랭 추기경이 기증한 새 대학, 예배당, 마자랭 도서관을 결합했다. (나중에 프랑스 학술원으로서 국왕이 설립한 아카데미들의 본부가 되었다.) 전쟁 퇴역 군인을 위한 주거지, 병원, 예배당으로 구성된 단지인 오텔 로얄 데 쟁발리드는 리베랄 브뤼앙과 쥘 아르두앙 망사르에 의해 건설되었다(1671–1679). 그 후 루이 14세는 아르두앙 망사르에게 1708년에 단지를 완성하기 위해 추가된, 인상적인 돔을 갖춘 독립적인 왕실 전용 예배당인 돔 교회를 건설하도록 의뢰했다.

다음 주요 프로젝트는 원형 광장을 중심으로 3개 구획에 걸쳐 7개의 대형 건물을 배치한 부동산 개발 프로젝트인 빅투아르 광장(1684–1697)으로, 중심부에는 루이 14세의 서 있는 인물상(나중에 기마상으로 교체)이 계획되었다. 이는 궁정의 진취적인 기업가이자 귀족인 장 바티스트 프레도와 건축가 쥘 아르두앙 망사르가 합작하여 건설했다. 마지막 도시 프로젝트는 1699년에서 1702년 사이에 아르두앙 망사르가 설계한 가장 유명한 방돔 광장이 되었다. 광장의 중심에는 루이 14세의 기마상이 있었다(나중에 방돔 기둥 꼭대기에 나폴레옹 동상으로 교체됨). 또 다른 혁신으로 이 프로젝트는 광장 주변 부지 매각을 통해 부분적으로 자금을 조달했다. 이 모든 프로젝트는 루이 14세 양식의 기념비적인 파사드를 특징으로 하여 광장에 특유의 조화를 주었다.[7]

실내 장식

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초기 루이 14세 양식에서 장식의 주요 특징은 재료의 풍요로움과 기념비적인 효과를 달성하려는 노력이었다. 사용된 재료에는 대리석(종종 다색 돌과 결합), 청동, 회화, 거울이 포함되었다. 이것들은 벽과 천장으로 확장되는 기둥, 벽기둥, 니치(벽감)로 구성된 틀 안에 삽입되었다. 문은 메달리온, 페디먼트, 부조로 둘러싸여 있었다. 벽난로는 루이 13세 시대보다 작았지만 더 화려했으며, 대리석 선반 위에 꽃병을 놓고 그 아래에는 그림이나 거울이 있는 조각된 프레임을 두었으며, 주위는 잎이나 꽃을 조각한 두꺼운 테두리로 장식했다.

초기 루이 14세 양식의 벽면 장식 요소들은 대개 국왕의 군사적 성공, 위엄, 문화적 성취를 기념하기 위한 것이었다. 종종 투구, 승리를 상징하는 떡갈나무 잎, 무기들을 묘사한 군사 트로피가 대리석 주위의 도금된 청동이나 조각된 나무로 부조 형태를 이루었다. 국왕을 개인적으로 찬양하는 다른 장식 요소들도 있었다. 국왕의 머리는 종종 태양신 아폴론으로 묘사되었으며, 야자수 잎이나 도금된 빛의 광선으로 둘러싸였다. 독수리는 대개 주피터를 상징했다. 그 외 장식 세부 사항으로는 도금된 숫자, 왕실 지휘봉, 왕관 등이 있었다.

베르사유궁의 거울의 방(1678–1684)은 초기 루이 14세 양식의 정점이었다. 샤를 르 브룅이 설계한 이 방은 거울에 반사되는 재료(대리석, 금, 청동)의 풍요로움을 결합했다.

1690년 이후 루이 14세 양식 후기에는 군사적 성격이 덜하고 더 환상적인 새로운 요소들이 나타나기 시작했는데, 특히 정교하고 구불구불한 선과 곡선으로 둘러싸인 조개껍데기, 그리고 아라베스크와 시누아즈리를 포함한 이국적인 디자인이 특징이었다.[8]

가구

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루이 14세 재위 초기 동안 가구는 이전의 루이 13세 양식을 따랐으며, 거대하고 조각과 도금으로 화려하게 장식되었다. 1680년 이후, 가구 디자이너 앙드레 샤를 불의 공로로 불 워크라고도 알려진 더 독창적이고 섬세한 양식이 나타났다. 이는 15세기 피렌체에서 처음 사용되었으나 불과 다른 루이 14세 휘하 예술가들에 의해 세련되게 발전된 흑단과 기타 희귀 목재의 상감 기법에 기초했다. 가구는 흑단, 구리, 여러 가지 색상의 이국적인 목재 판들로 상감 처리되었다.[9]

종종 오랫동안 지속되는 새로운 유형의 가구들이 등장했다. 서랍이 2~4개 달린 코모드가 구식 코프르(궤)를 대체했다. 두세 개의 안락의자를 결합한 형태의 소파인 카나페가 등장했다. 등받이 양쪽에 덧대어진 쿠션이 있는 포퇴유 앙 콩페시오날(고해 안락의자)을 포함한 새로운 종류의 안락의자들이 나타났다. 콘솔 테이블도 처음 등장했는데, 이는 벽에 붙여 놓도록 설계되었다. 또 다른 새로운 가구 유형은 그릇을 올려놓기 위한 대리석 상판의 타블 아 지비에였다. 책상의 초기 형태가 등장했는데, 마자랭 데스크는 중앙 부분이 들어가 있고 양쪽에 서랍 기둥이 있으며 각 기둥에 다리가 4개씩 달려 있었다.[10]

도자기

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1650년경 이후, 오랫동안 이탈리아 마욜리카 이스토리아토 양식으로 제품을 만들어 왔던 느베르 토기는 금속 세공 및 기타 장식 예술을 차용하고, 시몽 부에와 샤를 르 브룅과 같은 새로운 궁정 화가 세대의 판화를 이미지로 사용하는 새로운 프랑스 궁정 양식을 채택했다. 작품들은 종종 매우 크고 화려했으며, 정원용 화분과 와인 쿨러 외에는 실용성보다는 장식용이었다.[11]

1663년 최근 루이 14세의 재무장관이 된 장바티스트 콜베르는 프랑스 토기의 또 다른 주요 중심지인 루앙 토기가 보호받고 장려되어야 하며, 국왕이 디자인을 보내고 주문을 주어야 한다는 기록을 남겼다.[12] 1670년경 루앙의 포테라 가문은 루이 14세의 트리아농 드 포를렌(도자기 트리아농)을 위한 크고 권위 있는 주문의 일부를 받았는데, 이는 벽이 대부분 도자기 타일로 덮인 작은 궁전이었으나 곧 철거되었다. 느베르와 다른 중심지들도 이러한 주문과 루이 14세의 다른 궁전을 위한 대형 부속품 및 장식을 위한 주문을 나누어 가졌다. 느베르의 청백색 정원 화분은 베르사유궁 정원에 두드러지게 사용되었다.[13]

프랑스 토기 산업은 루이 14세 치세 말기인 1709년, 국왕이 전쟁 자금을 조달하기 위해 귀족들에게 평소 식사용으로 사용하던 은 식기를 국고에 기부하도록 압력을 가했을 때 또 한 번의 엄청난 추진력을 얻었다. 상류층이 최고의 품질의 토기 대체품을 구하려는 "하룻밤 사이의 열풍"이 불었다.[14]

이 시기에는 루앙 도자기에서 초기 프랑스 도자기가 등장하기도 했으나, 생산은 연질자기로 소규모에 그쳤으며 9개의 작은 조각만이 남아 있는 것으로 추정된다.[15] 1695년경부터 시작된 다음 공장인 생클루 도자기가 더 성공적이었으나,[16] 프랑스 도자기가 대량으로 생산된 것은 다음 치세에 이르러서였다.

회화

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치세 초기, 프랑스 화가들은 주로 이탈리아인들, 특히 카라바조의 영향을 받았다. 저명한 프랑스 화가로는 로마에 거주하던 니콜라 푸생, 풍경화를 전문으로 하며 경력의 대부분을 로마에서 보낸 클로드 로랭, 형제들과 함께 주로 장르 작품을 다룬 루이 르냉, 로마에서 푸생과 함께 공부하고 영향을 받은 외스타슈 르 쉬외르와 샤를 르 브룅이 있었다.

1661년 국왕의 수석국무장관이었던 쥘 마자랭 추기경이 사망하자 루이는 예술을 포함한 정부의 모든 측면을 직접 관장하기로 결정했다. 예술 분야의 최고 고문은 재무장관이기도 했던 장바티스트 콜베르(1619–1683)였다. 1663년 콜베르는 다양한 사치품을 만드는 왕실 가구 작업장을 재편하고 고블랭 제작소 태피스트리 작업장을 추가했다. 동시에 르 브룅의 도움을 받아 콜베르는 마자랭 추기경이 설립한 왕립 회화 조각 아카데미를 책임지게 되었다. 콜베르는 또한 1664년 건물 관리국장 직책을 맡으며 건축 분야에서 지배적인 역할을 했다. 1666년에는 유럽의 주요 예술 중심지로서 로마의 위치를 활용하고 잘 훈련된 화가들을 꾸준히 배출하기 위해 로마 아카데미 드 프랑스가 설립되었다. 르 브룅은 건축 프로젝트와 실내 디자인에 참여하며 루이 14세 치하의 프랑스 화가들의 학장이 되었다. 그의 주목할 만한 장식 작품으로는 베르사유궁 거울의 방 천장이 있다.[18]

루이 14세 통치 후기의 주요 화가로는 1681년 파리에 와서 르 브룅의 주목을 받은 이아생트 리고(1659–1743)가 있다. 르 브룅은 그를 초상화 제작으로 이끌었고, 그는 1701년 탁자 위의 왕관부터 구두의 빨간 굽까지 권력의 모든 상징물들로 둘러싸인 루이 14세의 유명한 초상화를 제작했다. 리고는 곧 귀족들의 초상화를 만들기 위한 정교한 작업장을 마련했다. 그는 구성, 색상, 특히 얼굴에 집중하면서도 의상과 커튼을 만들기 위한 전문 화가들과 전장부터 정원, 살롱에 이르는 배경을 그리는 화가들을 고용했다.[18]

조르주 드 라 투르(1593–1652)는 루이 14세 양식의 또 다른 중요한 인물이다. 그는 작위를 받고 왕실 화가로 임명되어 초상화에 대해 높은 대가를 받았으나, 고향인 뤼네빌에서 작업하기를 선호하여 파리에는 거의 오지 않았다. 횃불 빛에 비추어 어둠 속에 인물이 거의 보이지 않는 그의 그림은 빛과 어둠의 특이한 효과를 사용하여 침묵과 연민을 불러일으키는 유달리 엄숙한 분위기를 자아냈다. 작가이자 훗날 프랑스 문화부 장관이었던 앙드레 말로는 1951년에 이렇게 썼다. "렘브란트를 포함하여 그 어떤 화가도 이토록 광대하고 신비로운 침묵을 암시한 적이 없다. 라 투르는 그림자의 고요한 측면을 해석하는 유일한 해석자이다."[19]

말년에 루이 14세의 취향은 후처인 맹트농 부인의 영향으로 더 종교적이고 명상적인 주제로 다시 바뀌었다. 그는 개인 방에 있던 모든 그림을 치우고 조르주 드 라 투르의 '성 이레네의 간호를 받는 성 세바스티아누스'(1649년경)라는 단 하나의 캔버스로 교체했다.[20]

조각

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이 시기에 가장 영향력 있는 조각가는 로마에서 활동하며 유럽 전역의 조각가들에게 영감을 준 이탈리아의 잔 로렌초 베르니니였다. 그는 프랑스를 방문했고 루브르궁의 새로운 파사드에 대한 그의 제안은 더 프랑스적인 양식을 원했던 국왕에 의해 거부되었으나, 베르니니는 1665년에 프랑스에서 크게 칭송받고 모방된 루이 14세의 흉상을 제작했다.

루이 14세 치하에서 가장 저명한 조각가 중 한 명은 리옹 출신의 앙투안 쿠아즈보(1640–1720)였다. 그는 루이 르랑베르 밑에서 조각을 공부했고 메디치의 비너스를 포함한 고대 로마 작품들을 대리석으로 복제했다. 1776년 국왕의 공식 화가였던 샤를 르 브룅의 흉상을 제작하여 왕립 회화 조각 아카데미의 회원이 되었다. 그는 곧 루이 14세가 건설한 새로운 건물들에 어울리는 기념비적인 조각들을 제작하기 시작했다. 그는 앵발리드의 왕실 예배당을 위한 카롤루스 대제 동상을 만들었고, 그 후 베르사유 정원과 말리 성을 위한 수많은 동상을 만들었다. 그는 원래 야외 조각상을 내후성이 있는 스투코로 만들었다가 1705년에 완성될 때 대리석 작품으로 교체했다. 그의 말리 작품인 '넵튠'은 현재 루브르 박물관에 있으며, '판', '플로라', '드리아드' 동상은 튈르리 정원에서 볼 수 있다. '페가수스를 타는 명성' 동상은 원래 말리 성을 위해 제작되었다. 프랑스 혁명 후 튈르리 정원으로 옮겨졌고 현재는 루브르 박물관 내부에 있다. 그는 또한 당대의 주요 정치가와 예술가들의 흉상을 제작했는데, 베르사유의 루이 14세, 장바티스트 콜베르(생퇴스타슈 교회의 무덤), 파리의 프랑스 학술원의 쥘 마자랭 추기경, 극작가 장 라신, 건축가 보방, 정원 디자이너 앙드레 르 노트르 등이 있다.[21]

자크 사라쟁은 루이 14세 프로젝트에 참여한 또 다른 저명한 조각가였다. 그는 베르사유궁을 위한 많은 동상과 장식을 만들었을 뿐만 아니라, 카레 안뜰을 향한 루브르궁 시계관의 동쪽 파사드를 위한 카리아티드를 만들었는데, 이는 고대 그리스 모델 연구와 미켈란젤로의 작품을 모두 바탕으로 했다.

루이 14세 양식의 또 다른 저명한 조각가는 조각가, 화가, 엔지니어, 건축가였던 피에르 퓌제(1620–1694)였다. 마르세유에서 태어난 그는 처음에는 건조 중인 선박의 장식을 조각했다. 그 후 이탈리아로 여행하여 바르베리니 궁전과 피티궁의 바로크 천장에서 견습생으로 일했다. 그는 이탈리아와 프랑스를 오가며 그림을 그리고, 조각하고, 나무를 깎았다. 그는 1665~1667년 툴롱 시청을 위한 유명한 카리아티드상을 제작했고, 그 후 니콜라 푸케에 고용되어 보르비콩트의 성을 위한 헤라클레스상을 제작했다. 그는 프랑스 남부에 계속 거주하며 크로톤의 밀로, 페르세우스, 안드로메다(현재 루브르 박물관 소장)와 같은 유명한 조각상들을 제작했다.[22]

태피스트리

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1662년 장바티스트 콜베르는 플랑드르 장인 가족의 태피스트리 작업장을 매입하여 고블랭 제작소라는 이름의 가구 및 태피스트리 제조를 위한 왕실 작업장으로 탈바꿈시켰다. 콜베르는 1663년부터 1690년까지 그 직책을 맡은 왕실 궁정 화가 샤를 르 브룅의 지휘 아래 작업장을 두었다. 작업장은 디자인을 제작한 주요 궁정 화가들과 긴밀히 협력했다. 1697년 이후 기업이 재편되었으며 그 이후로는 국왕을 위한 태피스트리 생산에 전념했다.[23]

태피스트리의 주제와 양식은 국왕의 위엄과 군사적 승리의 승전 장면, 신화 및 전원풍 장면을 기념하는 당대 회화의 주제들과 대체로 유사했다. 처음에는 국왕과 귀족만을 위해 제작되었으나, 곧 유럽의 다른 궁정으로 제품을 수출하기 시작했다.

왕실 고블랭 제작소는 보베 제작소와 오뷔송 태피스트리 작업장이라는 두 개의 민간 기업과 경쟁했는데, 이들은 같은 양식으로 작업을 했으나 저기(low-warp) 공정을 사용하여 품질이 약간 떨어졌다. 국왕의 왕실 도안가이자 디자이너인 장 베랭은 오뷔송을 위해 일련의 그로테스크 카펫을 제작했다. 이 태피스트리들은 때때로 현대적인 주제를 기념하기도 했는데, 예를 들어 17세기 후반에서 18세기 초반에 제작된 오뷔송 태피스트리에는 1644년에 설치된 유럽인(예수회)들이 가져온 더 정밀한 새 도구들을 사용하는 베이징 고관상대의 중국 천문학자들을 묘사한 작품이 있다.

디자인과 볼거리

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국왕 재위 초기, 가장 중요한 공적 왕실 의례는 말 위에서 벌이는 일련의 훈련과 게임인 카루젤이었다. 이 행사들은 1559년 앙리 2세가 마상 시합 사고로 사망한 후 금지된 토너먼트를 대체하기 위해 고안되었다. 더 덜 위험한 새로운 버전에서 기수들은 보통 고리 내부로 창을 통과시키거나 메두사, 무어인, 투르크인의 머리가 달린 마네킹을 쳐야 했다. 1662년 6월 5~6일에는 루이 14세의 아들인 도팽의 탄생을 축하하기 위해 대규모 카루젤이 열렸다. 행사는 루브르궁과 튈르리궁 사이의 광장에서 열렸는데, 이후 카루젤 광장으로 알려지게 되었다.[24]

국왕의 파리 입성 의례 또한 축제의 계기가 되었다. 1660년 대관식 후 루이 14세와 마리 테레즈 왕비가 파리로 돌아온 것은 도시 성문의 박람회장에서 성대하게 축하되었는데, 이곳에는 새 군주를 위한 큰 왕좌가 세워졌다. 의식 후 그 장소는 1880년 네이션 광장이 되기 전까지 트론 광장(왕좌 광장)으로 알려졌다.[25]

루이 14세의 왕실에는 므뉘 플레지르 뒤 루아라는 부서가 있었는데, 발레, 가면무도회, 조명, 불꽃놀이, 연극 공연 및 기타 오락을 포함한 왕실 의례와 볼거리의 장식을 담당했다. 이 부서의 장은 1674년부터 1711년까지 장 베랭이 맡았다. 그는 또한 국왕의 침실과 집무실 디자이너이기도 했으며, 루이 14세 양식으로 알려진 것에 엄청난 영향을 미쳤다. 그의 스튜디오는 왕실 가구 디자이너 앙드레 샤를 불의 스튜디오와 함께 루브르궁의 그랜드 갤러리에 위치했다. 그는 원래 이탈리아에서 라파엘로가 창안한 그로테스크 장식 양식의 수정 버전을 프랑스 실내 디자인에 도입하는 일을 전적으로 책임졌다. 그는 그로테스크 양식을 벽 패널뿐만 아니라 오뷔송 태피스트리 작업장에서 제작한 태피스트리에도 사용했다. 그의 다양하고 방대한 다른 디자인들 중에는 국왕의 이름을 딴 군함 솔레이 로얄(1669)의 매우 화려한 트랜섬(선미창) 디자인이 있다.[26]

실내 장식 외에도 그는 1684년 팔레 루아얄 극장에서 공연된 장바티스트 륄리의 오페라 아마디스와 1695년 륄리의 후계자인 파스칼 콜라스의 오페라 발레 'Les Saisons'를 위해 왕실 극장의 의상과 무대 장치를 디자인했다.[27]

프랑스식 정원

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루이 14세 양식의 가장 지속적이고 대중적인 형태 중 하나는 자연에 질서를 부여하는 원칙과 대칭에 기반을 둔 jardin à la française 또는 프랑스식 정원이다. 가장 유명한 예는 앙드레 르 노트르가 설계한 베르사유 정원으로, 이는 유럽 전역의 모방작들에 영감을 주었다. 첫 번째 중요한 프랑스식 정원은 1656년부터 시작된 루이 14세의 재무장관 니콜라 푸케를 위해 조성된 보르비콩트 성의 정원이었다. 푸케는 루이 르 보에게 성 설계를, 샤를 르 브룅에게 정원 동상 설계를, 앙드레 르 노트르에게 정원 조성을 의뢰했다. 정원과 성이 완벽하게 통합된 것은 이때가 처음이었다. 1500미터의 웅장한 원근법이 성 기슭에서 파르네세의 헤라클레스 복제품까지 뻗어 있었고, 공간은 색깔 있는 모래로 테두리를 두른 장식적 패턴의 상록수 파르테르로 채워졌으며, 오솔길은 정기적으로 배치된 동상, 분수, 연못, 정교하게 깎은 토피어리들로 장식되었다. "보르비콩트에서 달성된 대칭은 고전 정원 예술에서 보기 드문 완벽함과 통일성의 수준에 도달했다. 성은 권력과 성공을 상징하는 엄격한 공간 조직의 중심에 있다."[28]

앙드레 르 노트르가 1662년에서 1700년 사이에 조성한 베르사유 정원은 프랑스식 정원의 가장 위대한 성취였다. 15,000헥타르에 달하는 이 정원은 유럽에서 가장 큰 정원이었으며 태양의 궤적을 따라 동서 축으로 배치되었다. 태양은 명예의 안뜰 위로 떠올라 대리석 안뜰을 비추고, 성을 가로질러 국왕의 침실을 비춘 뒤 대운하 끝에서 지며, 거울의 방 거울들에 반사되었다.[29] 지평선까지 닿는 웅장한 원근법과는 대조적으로, 정원은 동상으로 가득 찬 작은 정원과 분수 등 놀라움으로 가득 차 있어 인간적인 규모와 친밀한 공간을 제공했다. 정원의 중심 상징은 루이 14세의 엠블럼인 태양이었으며, 정원 중앙 분수인 아폴론 분수의 아폴론 동상으로 묘사되었다. "궁전을 오가는 시야와 원근법은 무한히 계속되었다. 왕은 자연을 지배하며 정원 안에 그의 영토뿐만 아니라 궁정과 신민에 대한 지배력을 재현했다."[30]

같이 보기

[편집]

내용주

[편집]
  1. ↑ Ducher, Robert, Caractéristique des styles (1988), p. 120
  2. ↑ Renault and Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), Editions Jean-Paul Gisserot, Paris (in French), pp. 54–55.
  3. ↑ Ducher 1988, 120쪽.
  4. ↑ Ducher 1988, 122쪽.
  5. 1 2 3 Ducher 1988, 124쪽.
  6. ↑ Texier, Simon (2012), pp. 38–39
  7. ↑ Texier, Simon (2012), pp. 38–39.
  8. ↑ Ducher 1988, 126–129쪽.
  9. ↑ Renault and Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), pg. 59
  10. ↑ Renault and Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), p. 59
  11. ↑ McNab, 20–21; Moon; V&A, Nevers 자르디니에르
  12. ↑ Pottier, 12
  13. ↑ Moon; McNab, 22
  14. ↑ Moon; McNab, 30
  15. ↑ Munger & Sullivan, 135–137
  16. ↑ Munger & Sullivan, 138–142
  17. ↑ Munger & Sullivan, 135–137
  18. 1 2 Bauer & Prater 2016, 16쪽.
  19. ↑ cited in Bauer and Prater, Baroque (2016), p. 86.
  20. ↑ Bauer & Prater 2016, 86쪽.
  21. ↑ "Coysevox, Charles Antoine". Chisholm, Hugh (ed., 1911). Encyclopedia Britannica (11th ed.). 1911. pp. 355–56
  22. ↑ "Puget, Pierre". Chisholm, Hugh (ed., 1911). Encyclopedia Britannica (11th ed.). 1911. p. 637
  23. ↑ "Gobelin". Chisholm, Hugh (ed., 1911). Encyclopedia Britannica (11th ed.). 1911. p. 165
  24. ↑ Fierro 1996, 754쪽.
  25. ↑ Dictionnaire historique de Paris 2013, 272쪽.
  26. ↑ "Bérain, Jean". Chisholm, Hugh (ed.). Encyclopedia Britannica (11th ed.). 1911.
  27. ↑ "Bérain, Jean". Chisholm, Hugh (ed.). Encyclopedia Britannica (11th ed.). 1911.
  28. ↑ Prevot, Histoire des jardins, p. 146
  29. ↑ Prevot, Histoire des jardins, p. 152
  30. ↑ Lucia Impelluso, Jardins, potagers et labyrinthes, p. 64.

외부 링크

[편집]
  • Yves-Marie Allain and Janine Christiany, L'art des jardins en Europe, Citadelles et Mazenod, Paris, 2006
  • Bauer, Hermann; Prater, Andreas (2016), 《Baroque》 (프랑스어), Cologne: Taschen, ISBN 978-3-8365-4748-2 
  • Cabanne, Perre (1988), 《L'Art Classique et le Baroque》, Paris: Larousse, ISBN 978-2-03-583324-2 
  • Ducher, Robert (1988), 《Caractéristique des Styles》, Paris: Flammarion, ISBN 2-08-011539-1 
  • Fierro, Alfred (1996). 《Histoire et dictionnaire de Paris》. Robert Laffont. ISBN 2-221--07862-4. 
  • Impelluso, Lucia,Jardins, potagers et labyrinthes, Hazan, Paris, 2007.
  • McNab, Jessie, Seventeenth-Century French Ceramic Art, 1987, Metropolitan Museum of Art, ISBN 0870994905, 9780870994906, google books
  • Moon, Iris, "French Faience", in Heilbrunn Timeline of Art History, 2016, New York: The 메트로폴리탄 미술관, online
  • Munger, Jeffrey, Sullivan Elizabeth, European Porcelain in The Metropolitan Museum of Art: Highlights of the collection, 2018, Metropolitan Museum of Art, ISBN 1588396436, 9781588396433, google books
  • Pottier, André, Histoire de la faïence de Rouen, Volume 1, 1870, Le Brument (Rouen), google books (in French)
  • Prevot, Philippe (2006), 《Histoire des jardins》 (프랑스어), Paris: Editions Sud Ouest 
  • Renault, Christophe (2006), 《Les Styles de l'architecture et du mobilier》, Paris: Gisserot, ISBN 978-2-877-4746-58 
  • Texier, Simon (2012), 《Paris- Panorama de l'architecture de l'Antiquité à nos jours》, Paris: Parigramme, ISBN 978-2-84096-667-8 
  • Wenzler, Claude, Architecture du jardin, Editions Ouest-France, 2003
  • 《Dictionnaire Historique de Paris》. Le Livre de Poche. 2013. ISBN 978-2-253-13140-3. 
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