映画「ルックバック」（実写版）もしかしたら・・・ってね。

もしかしたら・・・ってね。

藤本タツキの原作漫画『ルックバック』は既読。
2024年の押山清高監督によるアニメ版も大好きで、公開当時に感想を書いた。

漫画として既に完成されているうえに、アニメ版では漫画表現をアニメーションとして拡張し、原作へのラブレターに対する返歌のような作品にまで仕上がっていた。
もう美味しいところ、全部絞り切ったと思ってた。

しかも実写化。

漫画の実写化というものは、原作に忠実なら「原作でよくない？」と言われ、変えれば「なんで変えた？」と言われる、かなりの地雷原である。

まして『ルックバック』ほど短く、密度が高く、既にアニメ化まで成功している作品に、まだ何を足せるというのか。

そして是枝裕和監督

最近、監督に対してちょっと黒い羊を飼っていたので、
「ほほう、どうするのかしらね」くらいの気持ちで観に行きました。

ごめんなさい。
凄かったです。(/ω＼)

物語そのものを大きく変えるのではなく、漫画のコマとコマの間にあったはずの時間、人間、視線、音、季節、身体を徹底的に掘り起こしている。

漫画、アニメ、実写。
創作者同士の往復書簡みたいな『ルックバック』になっていた。

映画になると、世界が増える

原作の『ルックバック』はとても映画的な漫画だと思う。
カメラの位置が明確で、引くところは潔く引く。
説明しすぎず、登場人物の感情を画面の外から冷静に見ている。

アニメ版もその強さを残しながら、「漫画の絵が動く」というアニメーションならではの快楽を加えていた。

実写は、生身の人間がいる。

漫画やアニメでは、画面に存在するものは誰かが「描く」と決めたもの。
でも実写には、最初から世界がいっぱい映っている。
人間も、風景も、光も、天気も、画面の端にいる誰かも。
同じような構図をなぞっていても、情報量がまるで違う。

映画ってすごいな～。
そんな当たり前のことを、思ってしまう。
ただ、その情報量はときどきこってりしている。

秋田の美しい風景も含めて、日本人のDNAに直接殴りかかってくるような情緒がある。
新海誠監督の洪水のような光があった。

原作が澄んだノーマルラーメンなら、是枝版は美味しいトッピング全部乗せである。

映画は現実を映しているけど、美しく額装している。
四季の移ろいに感動してしまう。
そのあざとさまで含めて、是枝版『ルックバック』だった。

そして物語も三度目。
もしかしたら、、、なんて祈りもでちゃう。

それ以上に、原作やアニメとは、違うテーマに仕上がっていて、是枝監督らしい解釈だったと思う。

個人的にはoasisの「Don't Look Back In Anger」と同日公開は出来杉かぁ？？と思ってマス(´ω｀)

ここからは原作、アニメ版を含めて

以下ネタバレあーだこーだ

漫画を描く手

実写版で特に好きだったのが、漫画を描く「手」の描写だった。

私も昔漫画を描いていた過去があるので、（黒歴史になることは大体やっている）刺さってくる。
コピー用紙の裏や、適当なノートならシャカシャカ描けるのに、漫画原稿用紙を前にすると突然手が慎重になる。

紙が怖い。
紙に圧倒される。

ペンを入れる音が、最初は恐る恐る引いていた線が、いつの間にか迷いなく「シャッ」と走るようになる。
たったそれだけで、間に積み重なった練習量が分かる。

集中線が上手い( *´艸｀)
デビューしてからはトーンの使い方が贅沢ゥ。。と思ってしまう貧乏性の私がいた。

原作でも想像はできるが、是枝版は、こういう身体に蓄積した時間をとても丁寧に拾っている。

藤野が一人で描いていた音が二人の音になり、やがてデジタル作画へ移りチーム作業になることも、映画ならではの表現として語られている。

丸ペン。インク。
トーン何番にする？
マッキーでベタ。
ペン先の油を飛ばすためライターで炙る。
古式ゆかしい漫画制作。

ただ、小学生なのに、大量に積まれたマルマンのスケッチブックを見ながら、金持ちか！！と思ってしまう。
実写になるとリアルになるぶん、漫画からそうだったのに気になっちゃう( ´∀｀ )

四季が巡る
二人で一年かかったのは、途中で画力が上がってしまって、前に書いた分をやり直していった結果なのだろう。

ドキドキして東京へ。
集英社の持ち込み担当編集者（菅田将暉）が優しい。
こういうシーンで横柄なタイプが来たら終わってただろう。
そういう人の巡り合わせ（学校の先生たちとか）も全て未来に続くバタフライエフェクトを意識させていたように思う。

早朝のコンビニでジャンプを恐る恐る確認する姿を、外から動きだけで描く。
この原作通りのシーン、映画的な文脈が完璧すぎて、別演出しても蛇足になっちゃうよねえ、と改めて思ってしまう。

短編で描く要素は、藤本タツキ作品からのエッセンスが注入されていて楽しかった(*‘∀‘)
「セミ人間」、「モグラ少年」・・・楳図かずお先生になっていく感じにクスっとする。

もっと上手くなりたい。
京本の美大進学。
白鳥の演出は、たまたま撮影できたから～ということで入ったそうだが、いつか、飛び立つ時がやってくる象徴のようになっていた。

そしてプロになった藤野の現場では、巨大な液晶タブレットと左手デバイスを使い、デジタルでガンガン処理していく。
急に作画作業が変わる。
アシスタントも沢山いれて、大御所の風格。
プロの漫画家は個人の作業でなく、チームワークなのだと思わされる。

藤野と京本が二人だけで漫画を描いていた時間と、漫画を「仕事」として作る世界は、もう別物なのだ。
アニメ化に伴い、どんどん自分の手から離れていく。
編集者から「寂しいでしょう？」と言われる。

自分の作品なのに、もう自分だけのものではない。
漫画が好きだから描く、だけではプロとして生きていけない。

原作は２人の世界の後悔と鎮魂が根底にあった。

もし、自分が京本を誘わなければ・・・

でも、藤野は京本の性格を知っているからこそ、自分が部屋から導かなくても、きっと別ルートで美術の道にいくだろう姿を幻視した。
創作者はどうしたって、創作してしまうのだろう。

今作では男鹿和雄の背景美術に憧れたことが明確に描かれる。
京本の部屋に飾ってあった作品も、男鹿和雄さんの作品だとエンドロールで知るけど、やっぱりすごいのね。

だが、プロになった藤野の現場では、京本が憧れた手描きの背景美術とはまるで違う景色が広がっている。

写真やデジタル処理、巨大な液晶タブレット。京本が「もっと上手くなりたい」と磨いていた技術の居場所が、一瞬見えなくなったように感じてしまう。
もちろん、デジタルになったから背景を描く人間が不要になるわけではない。
でも、技術も道具も、創作の現場も変わっていく。

きっと映画制作でも似た分岐点にあるからこそ、是枝監督は今作を描いたのかなとも思う。

それでも、「もっと上手くなりたい」という欲だけはきっと変わらない。

沢山の積み上げてきた先人たちの技術。
巨人の肩を少しだけ盛り上げる仕事。

この作品について考える時、京都アニメーション放火殺人事件を思い出す。

藤本タツキ自身、明確に事件を名指ししてはいない。
けれど、『ルックバック』は「自分の中にある消化できなかったものを、無理やり消化するためにできた作品」だと語っている。あの事件に対して持て余した感情も、本作には込められていると思っている。

私自身、多くのアニメを観てきたからこそ、あの事件に対して未だに持て余している感情がある。

多くの人が亡くなったことも十分に取り返しはつかない。
でも創作を受け取ってきた故に、別の喪失も残る。

その人たちが、この先作ったかもしれない作品。
誰かへ教えたかもしれない技術。
別の創作者と刺激し合って生まれたかもしれない作品。
そんな未来まで、一緒に失われた。
すごい他者って、未来を増やしてくれる存在なんだと思う。
藤野にとって京本がそうだったように。

命に貴賤があるという話ではない。

一人の人間の命が奪われることは、その人が過去から積み上げてきた時間だけでなく、その先にあったかもしれない未来まで断ち切られることでもある。
『ルックバック』は、その喪失を一つの形として描いた作品だと思う。

実写版『ルックバック』は、その「積み上げた時間」を原作以上に具体的に見せる。
たくさんの選択や、小さな影響の末に到達した「現在」。

だから事件の場面で感じる怒りややるせなさも、原作やアニメとまた少し違って感じた。

結末は知っているんだけども・・・

今回こそ、助からないかな。
実写版なんだから、少しくらい曲げてもいいんじゃない？
京本を、生かしてくれないかな。

無理なのは知っている。
それをやったら『ルックバック』を壊してしまう。

でも祈ってしまうんだよう。。(ノД`)・゜・。
そのくらい、実写の身体を持った京本が生きていた。

分岐した世界で藤野が現れて、犯人を蹴り上げる場面で強く願ってしまう。
そのまま！そのままの世界線でいこう。
どうか覚めないで・・・と。( ;∀;)

白鳥

冬を越し、やがてシベリアへ帰っていく渡り鳥。

映画オリジナル。
最初は、人が同じ場所にいられる時間の有限性や、少女たちがそれぞれ次の場所へ旅立っていくことを重ねた、かなり緻密なモチーフなのだと思っていたわけですよ。

でも、前述もしたけど、本当にたまたま撮影できたので、是枝監督はその白鳥をどう生かすか考えて脚本を書き直し、その後は撮影のたびにスタッフが白鳥を探すことになったという。

ええええ。(;´∀｀)

今作の根幹の一つだと思っていたのに、偶然の産物なのね。
最初だけクラカウアー、その後猛烈に是枝である。

そんな追加こそ、実写映画らしいのかもなあと思った。
漫画やアニメなら、描かなければ白鳥は存在しない。

偶然撮れた白鳥に監督が意味を感じる。
偶然を拾って映画へ組み込むことが創作なのだろう。

完成した映画を見ると、白鳥はもう偶然には見えない。
“スワンソング”という言葉まで感じてしまう。
創作者が最後に残した歌。

京本本人はいなくなっても、その絵や言葉は藤野の中で続きを始める。

そう思うと、この映画自体が少し生き物みたいで面白い。

そしてまたアニメへ

最後は実写だった画面が、ロトスコープによるアニメーションへ変わる。

藤野と京本が浮かび上がり、白鳥と共に田んぼの上を飛んでいく。
確かに、今の映画ならVFXを使えば人間をいくらでも飛ばせるだろう。

現実の身体と、光と、風と、四季と、偶然を撮ってきた実写映画が、最後の最後で、

「ここから先はあなたたちの方が自由ですよ」

と絵へ返しているように見えた。
しかもロトスコープは実写とアニメの中間にある技法。

漫画→アニメ→実写→アニメ。
実写が最終進化形ではない。
どれが一番偉いわけでもない。

漫画には線の自由がある。
アニメには動きの自由がある。
実写には身体と現実と偶然がある。

それぞれ違う武器を持った創作者が、
「あなたの仕事を見ました」
「じゃあ私はこう返します」
と作品を投げ合っている。

アニメ押山清高版を観た時、私は原作へのラブレターに対する返歌みたいだと思った。
今回もまた返歌だった。

創作という修羅へ足を突っ込んだ者へのエールにも見えた。

そして、実写版は、それでも創作するのか？の物語になっていた。

楽しいから、成功したいから、だけでもない。
誰かに褒められたいからだけでもない。

藤野自身、「漫画なんか好きじゃない」「描いてても楽しくない」と言う。

その問いに、綺麗な答えはない。
でも、自分の背中を見ていた人がいた。
自分も誰かの背中を見ていた。

その相手がいたから、昨日より遠くへ。
そして、受け取ったものは消えることはない。

是枝監督自身も、亡くなった人たちの視線を背中に感じながら仕事をしていると話している。

もう『ルックバック』から搾れるものなんて残っていないと思っていた。
でも、漫画にもアニメにもなかったものが、まだ映画の中に残っていた。

是枝裕和から返ってきた、三通目の『ルックバック』。
とても好きな映画でした(´ω｀)

そういえば、原作通り卒業証書の筒が四角になっていたけど、四角い筒が本当にあるんだ！と思ってしまった私デス。撮影の舞台を原作者、藤本タツキ先生の地元秋田県にかほ市で撮影しているのもあって、秋田では筒が四角い方がリアルなのかな。。と思ってしまった(*‘∀‘)