A l’approche de la sortie de leur 19e album, 50 ans après Lonesome Crow, leur premier, Scorpions n’ont perdu ni énergie, ni inspiration. Rolling Stone est allé à la rencontre des membres historiques Klaus Meine (chant), Rudolf Schenker (guitare) et Matthias Jabs (guitare) pour comprendre d’où venait cette foi inébranlable.

25 octobre 1955 : Naissance de Matthias Jabs, guitariste de Scorpions

Vous revenez avec votre album le plus heavy depuis des années. D’où vient ce regain d’énergie ?

Rudolf : Elle vient du fait que nous sommes des “rock believers”. Nous avons pris différentes directions avec Scorpions, il nous est arrivé de sonner un peu différemment, surtout à l’époque du grunge, mais nous avons appris de cette période. Nous avons identifié notre ADN. Quelqu’un du label est venu nous voir et nous a dit que ce serait fantastique de faire un album dans la veine de Blackout. Klaus a gardé cette idée en tête et s’est mis à écrire des paroles, qu’il m’a envoyées pendant que j’étais en vacances en Thaïlande.

Klaus : Je suis sorti de ma zone de confort, parce que pendant toutes ces années, je posais mes textes sur la musique et là, c’est l’inverse. J’en ai envoyé quelques-unes à Rudolf et je lui a dit “mets-moi un gros riff ! Il nous reste de l’essence dans le réservoir [“Gas in the Tank”]”. Il a trouvé de super morceaux par la suite.

Parlons de la production de cet album, qui ne s’est pas passée comme prévu.

Klaus : Nous avons commencé la préproduction en 2020 avec Greg Fidelman. On était censé enregistrer l’album à Los Angeles, mais cela n’a pas été possible à cause des restrictions de déplacement. Donc nous avons décidé de continuer sans Greg et de produire notre album de notre côté. Je pense que ça a été la bonne décision.

Matthias : Le producteur a une influence importante : Keith Olsen a produit Crazy World. Plus tard, Bruce Farbain a produit Unbreakable et avec Desmond Child on est parti dans une tout autre direction avec Humanity : Hour 1…

Rudolf : N’oublie pas Peter Wolfe [producteur d’Eye II Eye] ! [rires]

Matthias : Oui ! Cette fois, à cause de la pandémie, nous n’avons pas pu travailler avec un producteur. Donc nous avons enregistré tout seuls et nous sommes revenus à notre son du début des années 80.

Rudolf : En plus de ça, nous avons utilisé l’équipement d’époque. Nous avons décidé de travailler tous ensemble, dans la même pièce, sans artifices. Comme ça, dès que quelque chose manque à un morceau, on le voit tout de suite. Le résultat est super.

En plus d’être un pilier du hard rock, vous êtes aussi connus pour vos ballades. Ici, c’est votre premier album depuis Love At First Sting (1984) à n’en avoir qu’une seule. Est-ce une volonté de votre part ?

Rudolf : Cela découle directement de notre idée de faire un album heavy. Il y a quand même une ballade dessus, “When You Know (Where You Come From) ”, on s’est dit que c’était une bonne manière de finir, en plus les paroles ont un joli côté philosophique.

Matthias : Cependant, nous avons “bonus track” spécial pour la France, qui est une ballade. Elle s’appelle “Language of My Heart”. Il y a un autre bonus track pour le Royaume-Uni et encore un pour le Japon.

Rock Believer est un titre qui ressemble à une profession de foi du rock. Y a-t-il eu des moments dans la carrière de Scorpions où cette foi a été ébranlée ?

Rudolf : Jamais ! Il y a 55 ans, quand j’ai commencé ma carrière dans la musique, les gens ne comprenaient pas. Les gens se moquaient de moi quand je leur disais que c’était pour la vie. Pour durer autant de temps, tu es obligé d’y croire. Nous respectons l’adage Peace, Love & Rock’n’ Roll : love, c’est “Still Loving You”, peace, c’est “Wind of Change” et rock’n’roll, c’est “Rock You Like a Hurricane”. Nous croyons en la puissance de la musique.

Matthias : Aucun d’entre nous n’avait de plan B. Donc c’était compliqué à l’époque du grunge d’assurer des revenus, j’avais d’ailleurs commencé des études de droit. Mais même à cette période, aucun des membres de Scorpions n’a perdu la foi. Nous avons la chance d’avoir des fans qui sont restés fidèles. On ne les a pas trahis en nous éloignant de notre propos de base.

Klaus : Beaucoup de gens disent que le rock est mort de nos jours. Pourtant, on joue devant trois générations différentes. Je vois des gamins au premier rang. Je pense que les fans de rock sont bien vivants et c’est à eux qu’on dédie ce disque.

Mathieu David

Retrouvez cette interview de Scorpions en intégralité dans Rolling Stone Hebdo n°72

Voici notre chronique de Rock Believer

Avec ses 27 millions d’exemplaires vendus (record de la décennie) et son Grammy, le 1er album de Linkin Park n’a pas que démocratisé le nu metal : il symbolise à lui-même les années 2000

24 octobre 2000 : sortie d’Hybrid Theory de Linkin Park

Car si les grands frères Korn (avant tout metal) et Limp Bizkit (hip-hop) conservaient leur ADN premier, Linkin Park a toujours veillé à ne pencher d’aucun côté… Quoi de plus normal, donc, de trouver ici le producteur mainstream Don Gilmore (Sugar Ray, Good Charlotte, Avril Lavigne…) et l’expérimenté Andy Wallace (Nirvana, Slayer, Alice Cooper…). Pourquoi être sucré ou salé quand on peut être les deux ?

Si l’album avait fait l’objet d’une réédition asiatique en 2002 (avec des lives, un inédit et un remix), celle du 20e anniversaire est pharaonique : 5 CD, 3 LP, 3 DVD, une cassette, un livre de 80 pages, une affiche, 3 lithographies, un pass et évidemment des inédits (dont “Pictureboard“, longtemps réclamé). Une version super-deluxe prévoit même un coffret de 3 vinyles et 2 CD en plus. C’est Byzance !

Commander son exemplaire du coffret.

© Warner

Samuel Degasne

La rédaction de Rolling Stone vous propose un top 3 des meilleurs morceaux d’Hybrid Theory : 

« Papercut » 

Il s’agit du premier morceau du disque. Le morceau, qui n’a jamais été considéré comme un single « radiophonique », s’est construit une belle réputation dans le cercle de fans. A l’époque de sa sortie, la chanson atteignit quand même la 14e place du UK singles Chart, dépassant la meilleure position des deux singles précédents, et quitte le classement au bout de 6 semaines. Une habitude chez Linkin Park : le morceau traite de la paranoïa, thème récurrent au fil du disque.

« Crawling » 

La chanson, considérée comme un des plus gros hits de la formation, a remporté un Grammy Award pour Best Hard Rock Performance en 2002. Cette fois-ci, le groupe parle des relations abusives – notamment dans le cadre conjugal – et rend un hommage aux femmes persécutées par les hommes violents.

« A Place for My Head » 

Cette chanson aborde le point de vue de quelqu’un qui ne parvient pas à s’identifier à son entourage, qui veut être dans un endroit où les gens n’essaieront pas de le manipuler. Il s’agit d’un des morceaux les plus personnels écrits par Chester Bennington et sa bande. Un titre qui prend une nouvelle dimension, d’autant plus depuis le décès du chanteur en 2017.

De retour au Stade de France, les mastodontes de Metallica ont offert deux soirées d’anthologie, avec 32 morceaux différents dans un cadre grandiose. Live report

23 octobre 1964 : naissance de Robert Trujillo, bassiste de Metallica

Tenant à sa réputation scénique, Metallica ne recule devant rien pour offrir un spectacle toujours plus grandiose. Cette fois-ci, pour ses troisième et quatrième venues au Stade de France, les quatre Américains appliquent une nouvelle formule : le « no repeat weekend ». Les deux setlists sont complètement différentes, tout comme les premières parties : Ice Nine Kills et Epica (remplaçant Five Finger Death Punch au pied levé) ouvrent le bal la première soirée, tandis que Mammoth WVH et Architects se chargent de la seconde.

Pari réussi pour les Four Horsemen, qui calquent leurs concerts sur une structure similaire, avec missiles tonitruants en ouverture (« For Whom The Bell Tolls » et « Creeping Death », pour ne pas les citer) et classiques imparables pour finir (« Seek & Destroy » et « Master of Puppets » le premier soir, « One » et « Enter Sandman » le second). Entre les deux, le groupe met en avant ses morceaux anciens, fait dont il est coutumier depuis bien des années, à l’exception de Kill’em All, représenté par un seul morceau lors de ces deux soirées. Il n’oublie pas son nouvel album, 72 Seasons dont trois morceaux sont joués chaque soir. On constate avec délectation que « Lux Aeterna » et ses réminiscences de « Hit The Lights » se fond parfaitement dans le décor, tout comme « Screaming Suicide », qui fait mouche auprès des fans les plus fervents.

Ross Halfin

Bien entendu, Metallica réserve aussi de belles surprises aux fans, avec la rare « I Disappear » le premier soir, tirée de la bande originale de Mission Impossible 2 ou encore la festive reprise de « Whiskey in the Jar » basée sur la version de Thin Lizzy, qui n’avait pas été jouée en France depuis 1999. La carte des instrumentaux est également jouée, avec l’épique « Orion » et le plus nuancé « The Call of Ktulu », respectivement tirés de Master of Puppets et Ride the Lightning.

Deux fois deux heures de concert, présentés dans un décor atypique. Si Metallica est désormais client régulier du Stade de France, il n’y avait jamais joué sur une scène centrale. Cette dernière, circulaire, est disposée de manière à accueillir des fans en son sein : le fameux snakepit. Les adorateurs les plus chanceux (et les plus fortunés) ont donc pu s’offrir une vue imprenable sur les quatre musiciens.

Ross Halfin

Ils se montrent d’ailleurs en forme, avec des titres énergiques interprété avec force, tout en insufflant ce qu’il faut d’émotion pour les plus nuancés comme « The Unforgiven » ou « Fade To Black ». Les rares erreurs techniques (quelques imprécisions rythmiques de Lars Ulrich ou des pains discrets de Kirk Hammet) ne ternissent pas le tableau. En revanche, on regrette un James Hetfield étonnamment peu bavard et des pauses trop nombreuses entre les morceaux, qui cassent le rythme de deux spectacles pourtant bien orchestrés. Ces ombres au tableau n’empêchent cependant pas au public de se réjouir comme jamais devant un Metallica toujours aussi généreux sur scène, avec un Robert Trujillo toujours mobile. Un coup double réussi, qui laisse rêveur quand on imagine les surprises que les patrons du metal réservent pour l’avenir.

Setlists :

17 mai :

1. For Whom the Bell Tolls
2. Ride the Lightning
3. Holier Than Thou
4. I Disappear
5. Lux Æterna
6. Screaming Suicide
7. Fade to Black
8. Sleepwalk My Life Away
9. Orion
10. Nothing Else Matters
11. Sad but True
12. The Day That Never Comes
13. Blackened
14. Fuel
15. Seek & Destroy
16. Master of Puppets

19 mai :

1. Creeping Death
2. Harvester of Sorrow
3. Cyanide
4. King Nothing
5. 72 Seasons
6. If Darkness Had a Son
7. Welcome Home (Sanitarium)
8. You Must Burn!
9. The Call of Ktulu
10. The Unforgiven
11. Wherever I May Roam
12. Moth Into Flame
13. Battery
14. Whiskey in the Jar
15. One
16. Enter Sandman

Ross Halfin

Metallica est en couverture de Rolling Stone n°152, disponible via notre boutique en ligne.

Mathieu David

Écrit et enregistré alors que le groupe acquiert une stature internationale en tournée, Led Zeppelin II transforme une vision en réalité. L’un des meilleurs albums de tous les temps.

22 octobre 1969 : sortie de Led Zeppelin II

« Sur le deuxième album, on entend vraiment l’identité du groupe se former, » se souvient Jimmy Page des années après la sortie. Tandis que l’enregistrement du premier opus n’aura nécessité que trois semaines précédées d’une tournée de deux semaines en Scandinavie, celui de Led Zeppelin II s’étale sur six mois de concerts passant par Londres, New York, Vancouver et Los Angeles.

« De la musique faite sur mesure pour ce qu’on avait. »

Sur le chemin, le groupe promène ses bandes originales dans une malle. “C’était complètement fou, raconte Page. On n’avait pas le temps, il fallait écrire nos chansons dans des chambres d’hôtel. Le temps que l’album sorte, je ne le supportais plus. Je l’avais tellement entendu à tellement d’endroits différents. Je ne croyais plus en lui.” Pourtant, le groupe venait de produire l’un de meilleurs albums de tous les temps, baigné de blues du Delta et de Chicago, de psychédélisme des années 60 et d’une dynamique passant de la plus grande douceur à un son dévastateur. Parmi les pépites, le chaos apocalyptique de “Whole Lotta Love”, les riffs de guitare fuzz rapides comme l’éclair sur “Heartbreaker”, le blues devenu fou dans “Bring It on Home”. “C’étaient les premiers morceaux écrits pour le groupe, racontera Page à l’écrivain Mick Wall. De la musique faite sur mesure pour ce qu’on avait. Par exemple, savoir que Bonzo allait frapper fort à un moment donné, et construire cette entrée en scène.”

« C’est un peu ce qu’aurait été le psychédélisme s’ils avaient pu aller jusque-là. »

Changement(s) intense(s)

Moins de quatre mois après la sortie de leur premier album en janvier 1969, Atlantic pousse déjà le groupe à en concevoir un autre à temps pour les fêtes de fin d’année. En avril, Led Zeppelin se rend aux studios Olympic de Londres avec l’ingénieur du son George Chkiantz. “Whole Lotta Love” est l’un des premiers morceaux sur lequel ils travaillent. Construit autour d’un riff inventé par Page lors d’une version live (longue d’un quart d’heure) de “As Long As I HaveYou”, auquel Plant ajoute des paroles tout droit tirées du single de Muddy Waters, “You Need Love” (1962), le morceau est terminé à New York avec l’ingénieur de Hendrix, Eddie Kramer. Il aide notamment à l’exécution de la terrifiante section centrale en y incorporant toute une gamme de sons: la guitare slide de Page passée à l’envers, son thérémine, un orgasme féminin et l’explosion d’une bombe au napalm.

D’après Page, “c’est un peu ce qu’aurait été le psychédélisme s’ils avaient pu aller jusque-là”. Les solos de guitare sont enregistrés dans les couloirs du studio; Bonham joue la partie percussion de “Ramble On” sur un étui de guitare, un tabouret de batterie ou une poubelle (personne ne se souvient lequel des trois), et son solo emblématique sur “Moby Dick” est composé de plusieurs prises de son dans des studios différents.

Les méthodes d’enregistrement sont peut-être un peu improvisées, mais le résultat est au rendez-vous. “What Is and What Should Never Be” joue avec la stéréo pour renvoyer la guitare de Page et les plaintes de Plant d’une baffle à une autre, comme pour mimer un mauvais trip à l’acide. “The Lemon Song” (leur version du “Killing Floor” de Howlin’ Wolf) est un live dans le studio qui passe sans accroc d’une tranquillité assurée à un boogie frénétique, avec Plant qui hurle “Presse-moi le citron jusqu’à ce que le jus coule le long de ma jambe”! “Thank You”, un hymne folk baigné de guitare 12-cordes et d’orgue, est la première composition de Plant, écrite pour sa femme au cours d’une période de changements intenses.

Résoudre dans le chaos

Moins d’un an auparavant, ils ramaient sur les routes britanniques enneigées. Maintenant, ils séjournent à l’hôtel du Chateau Marmont, assistent aux concerts d’Elvis Presley à Las Vegas depuis le premier rang, fréquentent les GTO’s, l’élite des groupies de Los Angeles… Dans tout ce chaos, le groupe reste concentré sur son travail. Perfectionniste en studio, Page refuse de se laisser distraire. En juillet, le soir où le groupe célèbre son disque d’or pour Led Zeppelin, le guitariste renvoie tout le monde en studio juste après la réception à l’hôtel Plaza de New York.

“Il y avait un sentiment d’urgence lorsqu’on était aux États-Unis, assure Bonham. Je me souviens qu’une fois, on est allés à l’aéroport pour ramener nos femmes à l’hôtel, puis qu’on a filé au studio pour jouer ‘Bring It on Home’. On a fait beaucoup de choses dans ce goût-là cette année.” 

« Notre vie entière a changé. »

“Je voyais que lutter contre la fatigue commençait à laisser des traces sur Jimmy, se rappelle leur road manager Richard Cole en décrivant une session à Londres. Il avait les traits tirés. Les cernes sous ses yeux fonçaient. Il commençait à fumer plus de cigarettes que d’habitude.” Et ça a payé. Même “Living Loving Maid (She’s Just a Woman)”, un rock clinquant que Page écrit en pensant à “une vieille femme dégénérée qui essaie d’être jeune” et qu’il considérera par la suite comme la chanson qu’il aime le moins de Led Zeppelin, en est la preuve irréfutable.

Pochette de l’album « Led Zeppelin II »

Succès retentissant

En août, ils ont fini d’enregistrer. Kramer et Page mixent ensuite l’album en deux jours aux studios A&R de New York, sur une table Altec à douze pistes. “C’était la console la plus primitive qu’on puisse imaginer”, note Kramer. Sorti le 22 octobre 1969, Led Zeppelin II se vend à trois millions d’exemplaires en six mois, ravissant la première place à Abbey Road en décembre. “Whole Lotta Love” devient numéro quatre aux États-Unis en janvier 1970, préfigurant le heavy metal avec une décennie d’avance. “Notre vie entière a changé, explique Plant. Et c’était tellement soudain qu’on ne savait pas comment le gérer.”

Patrick Doyle

You Want It Darker (Columbia/Sony) : Ou comment, à 81 ans, au bord des ténèbres, Leonard Cohen écrit un album que d’autres ne réussiraient pas à imaginer, même en sept vies.

21 octobre 2016 : sortie de You Want It Darker de Leonard Cohen

“Nous sommes arrivés au point où nous sommes si vieux, nos corps tombent en lambeaux, et je pense que je te rejoindrai bientôt. Sache que je suis si près derrière toi, que si tu tends la main tu peux atteindre la mienne (…) Je veux seulement te souhaiter un très beau voyage. Au revoir ma vieille amie. Mon amour éternel. Rendez-vous au bout du chemin.” Lorsqu’il écrivit cette lettre d’adieu à Marianne Ilhen, décédée le 29 juillet dernier des suites d’une leucémie, Leonard Cohen avait sans doute déjà terminé ce quatorzième album. L’un des plus beaux.

“I’m ready, my Lord.”

You Want It Darker s’ouvre sur l’un des grands classiques de Cohen, immédiat et incontestable. Des choeurs graves, un rythme métallique, un orgue en arrière-plan, une mélodie qui s’incruste profondément dans nos pores, creusant nos estomacs. Puis la voix d’outre-tombe de Leonard Cohen : “I’m ready, my Lord.” Doit-on réciter le Kaddish, comme il nous le suggère ici ? Égrenant les “If you want…”, “You Want It Darker” se révèle être une réponse mortifère au légendaire “I’m Your Man”. Réponse qui trouve un écho avec le titre “Leaving The Table” où, contrairement à ce que le Cohen malicieux de 1988 proposait, celui d’aujourd’hui assène : “I don ’t need a partner / I don’t need a lover”. Mais on n’y croit pas une seconde.